Le lexique dramatique et les techniques théâtrales

Le théâtre est un genre littéraire (la production, l’œuvre du dramaturge), et en même temps un objet de représentation (une mise en scène, c’est-à-dire un spectacle). C’est un art de participation qui engage harmonieusement le dramaturge, le metteur en scène, les acteurs, les décorateurs, les éclairagistes, les costumiers et le public.

Le texte de théâtre, sur le plan de l’écriture et du jeu convoqué par la situation, intègre dans son espace l’univers de la représentation : répliques, didascalies, personnages, décor et leur désir de communiquer leurs sentiments à un auditoire (à des spectateurs).

En tant genre littéraire à part entière, le théâtre (aussi bien dans son écriture que dans sa représentation) a son lexique, des termes techniques appropriés qui lui sont propres :

1- Les personnes impliquées dans la conception du théâtre

Ce sont ceux qui tournent autour de la pièce théâtrale, du texte jusqu’à la phase de représentation :

• Le comédien – ou la comédienne – sont des acteurs qui jouent le texte de théâtre sur scène. Chaque comédien joue le rôle d'un personnage du texte théâtral. On peut également parler d'acteurs ou d'actrices.
• Le dramaturge : On nomme « dramaturge » l'auteur de pièces de théâtre. On parle également d'auteur dramatique.
• Le metteur en scène : Le metteur en scène est responsable de la mise en scène : il décide de la manière dont le texte théâtral prendra vie sur scène, donne des indications aux comédiens sur leur jeu, décide des décors, des costumes.
• Le souffleur : Le souffleur est celui qui « souffle » son texte au comédien, lorsqu'il l'oublie.
• Le spectateur (ou la spectatrice) : Les spectateurs et spectatrices constituent le public de la pièce de théâtre. Contrairement au lecteur de la pièce de théâtre, ils assistent à la pièce en train d'être jouée.

2- Les sous-genres

Le théâtre a aussi sa typologie ; ce sont ses sous-genres, avec leurs particularités, on peut citer :

• La comédie : La comédie est une pièce de théâtre basée sur le registre comique : elle vise à faire rire le spectateur. La comédie, généralement, commence bien et finit bien ;
• La comédie musicale : Une comédie musicale est une pièce de théâtre (comédie ou tragédie) qui mêle le jeu, le chant et la danse. Il s'agit d'un genre récent, né au début du XXe siècle ;
• Le drame : Le drame est un genre théâtral né au XVIIIe siècle, avec le drame bourgeois. Le drame est un genre théâtral qui mêle des éléments comiques et tragiques ;
• La farce : La farce est une pièce de théâtre qui vise à faire rire, en ayant recours à des ressorts plutôt grossiers ;
• La tragédie : La tragédie est une pièce de théâtre qui se base sur le registre tragique. La tragédie commence mal... et finit mal. Elle met souvent en scène des personnages nobles

3- Le texte théâtral proprement dit

Le dramaturge, pour bien faire passer son message, use d’un vocabulaire assez particulier dans l’écriture de sa pièce.

• L’acte : L'acte est la première subdivision de la pièce de théâtre : une pièce de théâtre est généralement découpée en actes, et ces actes sont eux-mêmes découpés en scènes. Le nombre d'actes varie selon la pièce de théâtre : par exemple, la tragédie classique du XVIIe siècle comporte cinq actes, alors que les comédies de Feydeau comportent souvent trois actes... Certaines pièces ne comportent même qu'un seul acte, comme dans Acte sans parole de Beckett ! À la fin de chaque acte, le rideau se ferme, ce qui peut permettre de changer le décor.
• Le dialogue : Un dialogue est un échange de répliques entre les personnages. Le dialogue est la manière pour le théâtre de mimer la conversation.
• Les didascalies : Les didascalies sont les indications de jeu qui figurent dans les pièces de théâtre. Souvent écrites en italiques, elles peuvent décrire le décor, préciser les déplacements des personnages ou la manière dont ils prennent la parole. Les didascalies font partie du texte théâtral à part entière.
• Le monologue : Un monologue est une prise de parole d'un personnage qui n'appelle pas de réponse. Le personnage fait un monologue lorsqu'il parle seul. Le monologue a pour fonction d'exposer les sentiments du personnage au public.
• Les personnages : Les personnages de la pièce de théâtre sont des créations fictives du dramaturge, qui s'incarnent dans le corps des comédiens une fois sur scène. Dans le théâtre antique, les personnages sont hiérarchisés : le protagoniste est le personnage principal, le deutéragoniste est le deuxième personnage, etc.
• La réplique : La réplique est la prise de parole d'un personnage. Les répliques sont de tailles variables, mais lorsqu'une réplique est très longue, on l'appelle une tirade.
• La scène : La scène est une subdivision de la pièce de théâtre : traditionnellement, la pièce de théâtre est divisée en actes, et les actes sont eux-mêmes divisés en scènes. On change de scène lorsqu'un personnage entre ou sort de la scène.
• La tirade : Une tirade est une réplique très longue. La tirade est généralement le moyen pour le personnage d'exprimer une émotion très forte

4- Les situations de théâtre

Diverses sortes de tensions ou d’atmosphères sont vécues par les personnages ou les spectateurs ; on peut en citer quelques-unes :

• La catharsis : Selon le philosophe grec Aristote, la catharsis est la purgation de l'âme du spectateur, qui s'effectue devant le spectacle de la tragédie. En voyant les mauvaises passions des personnages, les spectateurs se retrouvent purgés de cette même passion, et donc purifiés. La notion de catharsis est liée à celle de tragédie.
• Le dilemme : Le dilemme est un choix impossible à faire. Les personnages sont placés devant un dilemme lorsqu'ils ne parviennent pas à choisir entre deux actes ou deux personnes. On parle de dilemme cornélien pour faire référence au dramaturge Corneille, qui créait dans ses pièces des dilemmes impossibles à résoudre. Par exemple, dans le Cid, Rodrigue devra choisir entre l'honneur de son père et son amour pour la belle Chimène.
• Le quiproquo : Au théâtre, un quiproquo est un malentendu : deux personnages pensent parler de la même chose... alors qu'ils parlent en fait de deux choses différentes ! Le quiproquo est un ressort comique : il est utilisé dans la comédie pour faire rire. Pourtant, le quiproquo peut aussi avoir des conséquences terribles : on en trouve également dans les tragédies.

5- Le vocabulaire de la scène

Il s’agit d’une terminologie propre à la scène théâtrale.

• Les coulisses : Les coulisses sont la partie de la scène cachée aux spectateurs : les comédiens y attendent leur entrée en scène.
• Côté cour, côté jardin : On appelle « côté cour » le côté droit de la scène, vu de la salle – contrairement au « côté jardin », qui est le côté gauche de la scène, vu de la salle. Les termes « côté cour, côté jardin » permettent au metteur en scène et aux comédiens de discuter sans s'emmêler les pinceaux entre droite et gauche.
• La loge : Les comédiens se préparent dans leurs loges
• La première : La « première » est un terme utilisé pour désigner la première représentation d'une pièce
• La scène : La scène est l'espace sur lequel évoluent les comédiens

Les techniques théâtrales sont des processus, des habiletés ou expertises qui facilitent la représentation d'une œuvre théâtrale. Elles incluent les pratiques qui améliorent la compréhension que le public aura de la mise en scène et du jeu des acteurs. Nous retiendrons :

1- La technique du dramaturge

Les techniques théâtrales font partie des qualités ou habiletés. Dans la mesure où l'écrivain, qu’il est censé être d’abord, est capable de présenter une réalité différente au public, mais crédible et vraisemblable. Quant aux dialogues qu’il conçoit, ils doivent rendre les personnages vivants et leur permettre un développement au fil de l'intrigue.

L'habileté du dramaturge réside aussi dans sa capacité à exprimer au public les idées essentielles de son œuvre dans le cadre contraignant de la représentation. Enfin, son choix de diviser la pièce en plusieurs parties (comme les actes, les scènes), sa manière de gérer les changements de lieu, les entrées et sorties des personnages, sont tant d'autres caractéristiques de sa technique.

2- Les techniciens du spectacle

Les techniciens sont des artistes qui, grâce aux ressources de leur technique et à leur sens esthétique, aident à modeler la vision du metteur en scène, à mieux lire le spectacle et à lui faire éviter une fausse note. Cela, à travers surtout :

• Le décor : c’est une reconstitution du lieu de l’action
• L’éclairage : il sert à fixer un moment de la journée (matin, soir, nuit), à rendre l’atmosphère où baignent les personnages. Pendant la représentation, c’est le chef électricien qui, du jeu d’orgue, commande les éclairages.
• Le costume : il s’agit de créer une harmonie entre l’univers imaginaire où nous invitent les acteurs et leur habillement. En fait, les costumes doivent être en rapport avec les mœurs, la situation, l’époque, le lieu, etc.
• Le maquillage : il donne une allure de vraisemblance aux situations représentées. C’est ainsi que perruques et barbes peuvent aider par exemple à composer respectivement une grande dame et un vieillard.

3- La technique du metteur en scène

Le travail du dramaturge est reflété par l'interprétation du metteur en scène et ses indications, séparées du texte original. Ces indications comprennent généralement les détails de mise en scène : la géographie de la scène, les notes sur les personnages donnent de précieuses informations à chaque acteur en particulier.

Le metteur en scène est chargé de la représentation matérielle de la représentation. Se servant de l’acteur comme d’un instrument, des techniciens comme des partenaires, il a une influence déterminante aussi bien dans le rythme du spectacle que dans le choix se rapportant aux décors, à la place, aux mouvements et à la déclamation des acteurs.

En réalité, si le dramaturge en écrivant sa pièce pense aux lecteurs et virtuellement aux spectateurs, le metteur en scène, lui, ne connaît qu’un seul lecteur : c’est le lecteur-spectateur auquel est destiné effectivement le spectacle théâtral.

4- La technique de l’acteur

C'est par les techniques de jeu des acteurs que le texte et la mise en scène vont pouvoir toucher le public. En plus des techniques vocales et physiques, l'acteur doit développer et maîtriser sa sensibilité émotionnelle. Pour ce faire, il existe diverses "méthodes" dont la plus célèbre est celle du système Stanislavski. Il s'agit ici de faire interagir son vécu personnel ou "mémoire affective" et les sensations innées ou "mémoire reptilienne" avec les sentiments éprouvés par le personnage. Rappelons que le personnage est avant tout un être de papier et, il est du travail du comédien de donner vie à ce papier.

5- La règle des trois unités

La règle des trois unités (de temps, d'action et de lieu) était le principe fondamental du théâtre classique français durant la première partie du XVIIe siècle. 

Dans sa Poétique, Aristote avait simplement recommandé aux écrivains de limiter l'action à une seule intrigue plutôt que d'autres intrigues secondaires, et de restreindre la durée de l'action à une journée complète. Il avait spécifié ce dernier paramètre après avoir constaté que le temps d'une journée était un temps d'attention maximum que l'on pouvait exiger du public. 

Les effets des trois unités sur le théâtre français rendirent la représentation des pièces très contraignante. Dès le XIX^e siècle, les précurseurs et théoriciens du Drame Romantique vont s’en départir.